Tutti in Pennsylvania! Si è proprio lì, vicino alla Allegheny National Forest, che da sfogo a tutta la sua creatività l’artista statunitense Randall D. Boni. Ma niente pennello o scalpello, Boni si serve di una semplice motosega per scolpire una incredibile galleria di animali, partendo da tronchi di alberi morenti o destinati ad essere abbattuti.

Le particolari opere di Randall Boni comportano tre fasi fondamentali. In primo luogo, Boni taglia i grossi pezzi di legno in modo da ottenere la forma generale della scultura. Successivamente vengono definiti i muscoli e le fattezze dell’animale. Infine, si aggiunge il dettaglio del soggetto, quel particolare che fa la differenza, come una pinna, una pelliccia o una piuma.

In un contesto da favola, dove la flora e la fauna selvatica la fanno da padrone, vive e lavora Boni, che ha saputo trasferire l’amore e il rispetto per la natura nella sua arte, dove i soggetti non potevano non essere cervi, falchi, orsi e tutti gli animali della foresta in cui Randall Boni è nato e cresciuto.

Una nota curiosa… Randall Boni e suo fratello gemello sono nati con una forma ereditaria di cataratta. Lo stato di cecità ha fatto sviluppare in Boni l’utilizzo delle mani: modellando la creta o intagliando le saponette, già in età giovanile, Randall Boni mostrava molto bene quella che sarebbe stata la sua strada. Un intervento chirurgico agli occhi a poco più di trent’anni d’età ha permesso poi all’artigiano di apprezzare per la prima volta il dono unico che è la vista.

“Se un albero sta morendo e deve essere abbattuto, cerco di preservarlo nel ricordo con una mia scultura”. Questo ha dichiarato più volte Randall Boni, e come dargli torto? Le sue opere sono diventate molto presto famose e apprezzate. Non male, per un artigiano che ai soldi proprio non ci pensa e che invece spera solo di lavorare il più a lungo possibile. Glielo auguriamo anche noi!

Il titolo del post di oggi potrebbe essere fuorviante: niente imprecazioni, parliamo semplicemente dell’uso alquanto originale che fa di ogni tipo di verdura l’artista cinese Ju Duoqi. Quattro anni fa quasi per caso ha scoperto la sua innata capacità di assemblare cipolle, carote, sedani e patate, ma non per farne gustoso minestrone, bensì per ricreare alcuni capolavori della storia dell’arte, firmati da nomi illustri, come Van Gogh, Leonardo, Picasso, Warhol, Klimt e  Delacroix.

Capolavori leggendari rivivono grazie all’estro della 37enne cinese Ju Duoqi, reinterpretati secondo la bizzarra prospettiva di quanto offre Madre Natura a tavola! Persino i nomi delle opere sono simpaticamente storpiati, a sottolineare che l’autrice è la prima a non volersi prendere troppo sul serio. Qualche esempio? “La Libertà che guida il popolo” di Delacroix diventa “La Libertà che guida le verdure”, “La zattera della Medusa” di Géricault si trasforma ne “La zattera delle radici di loto”, “Il bacio” di Klimt si chiama  “Il bacio dei ravanelli”. Poi c’è “Monna Tofu”, “Cavolo Monroe” e via dicendo…

Un giorno del 2006 Ju Duoqi, al tempo designer di giochi per computer e siti web, si comprò diversi kg di piselli che sbucciò pazientemente e che infilò uno ad uno in un filo fino a crearsi un vero e proprio abito. Da allora quello che era un semplice hobby si è trasformato quasi in un business per  Ju Duoqi, che trova l’spirazione solo andando a sbirciare al bancone degli ortaggi dei mercati, alla ricerca della verdura “perfetta” da essiccare o far bollire e incastonare ad h.o.c. nel patchwork vegetale.

Sarebbe un’impresa piuttosto faticosa elencare tutta la serie di spiazzanti rimandi presenti tra melanzane, tofu, zenzero, funghi e radici di loto..  ma più che altro il tutto fa venire l’acquolina in bocca!

Altro che pennelli e tavolozza! L’aspetto più curioso della vicenda è che molto spesso, dopo essere stati immortalati, i lavori di Ju Duoqi finiscono a tavola! arte commestibile, idea niente male..

Tra citazioni, parodie e intelligenti riferimenti culturali, non si può non rimanere affascinati dal talento di Ju Duoqi, che è nata  nel Chongqing nel 1973 e che si è diplomata alla Sichuan Fine Arts College. Oggi vive e lavora a Pechino, e ha avuto l’onore di vedere le sue fatiche artistico-gastronomiche esposte in un museo della metropoli cinese.

Chi l’avrebbe mai detto che le verdure, oltre alle risapute proprietà di essere alimenti sani e  nutrienti, potessero avere anche una valenza artistica.. anzi, “squisitamente” artistica!

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Ha solo 27 anni, eppure il francese Anthony Geoffroy  è già lanciato nel panorama artistico internazionale per la sua incredibile galleria di coloratissime caricature di personaggi famosi che in poco tempo hanno fatto il giro del mondo. Prepariamoci al weekend col sorriso, che è peraltro il punto di forza del lavoro di Geoffroy, capace di delineare con pochi tratti e un senso dell’humour fuori dal comune pregi e difetti di cantanti, attori e icone dell’immaginario televisivo a stelle e strisce, dalle “Desperate Housewives” a “Dottor House”, dagli eroi di “Lost” alle idolatrate protagoniste di “Sex and the City”. E poi..

Il giovane disegnatore di Lione , da come si può vedere, riesce a enfatizzare i tratti più significativi di volti celebri del mondo del cinema, da quello di Robert De Niro al mitico Bruce Lee, passando per Batman e persino il Frodo della saga de “Il signore degli anelli”.

I protagonisti delle serie tv più amate d’America si riconoscono in modo inconfondibile:  il poliziotto David Caruso (”C.S.I”), la bruttina di “Ugly Betty” e il killer “Dexter” e il medico di “Scrubs”…

Quello che distingue Geoffroy da tanti altri disegnatori è la capacità di deformare bocche, occhi, nasi andando a  cogliere il “carattere” del vip nel mirino, con uno stile leggero ed esasperato al punto giusto, come nelle brillanti e riuscite caricature del Bruce Campbell di ” L’armata delle tenebre” e dei “Losties”.

Anche il mondo delle sette note trova spazio nei fogli e sulla matita di Geoffroy, vedi il caso di Amy Winehouse, Duffy, Rihanna e il rapper Snoop Doggy Dog!

Con le buffe versioni  a fumetto di “Prison Break”,  “Desperate Housewives” , “24″ si conclude il nostro post. Ogni tanto ci piace dedicare spazio alla scoperta di talentuosi artisti emergenti  sparsi qua e là per il mondo. Se l’argomento è di vostro gradimento, vi rimandiamo a tale proposito ad alcuni articoli inerenti che abbiamo pubblicato in passato, come Cinema su tela e (In)Glorious Posters.

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Prosegue il nostro viaggio sotterraneo nella fantastica metropolitana di Stoccolma, che si snoda per i suoi 110 km tra soffitti rossofuoco, piastrelle variopinte che decorano corridoi e sculture d’autore qua e là. Negli anni Cinquanta l’amministrazione comunale cercava da tempo modi nuovi per diffondere l’arte fra la gente, e quest’idea originale di andare ad “arredare” ad h.o.c. la metro cittadina si è dimostrata poi più che vincente. Guardate un pò!

Fa decisamente un bell’effetto il colore purpureo del soffitto a grotta della stazione Solna Centrum..

.. ma sono da vedere anche le stazioni Rådhuset e Fridhemsplan e Kungsträdgården. C’è persino la possibilità di una visita guidata (al prezzo di un biglietto della metro), nella quale sono illustrate le opere più importanti di quattro o cinque stazioni. A proposito di prezzo, a titolo informativo sappiate che ci sono biglietti validi 24 ore ( costano 95 corone) e 72 ore (189 corone): quest’ultimo tipo permette l’accesso anche alla panoramica torre della televisione di stato Kaknästornet e al parco di divertimenti Gröna Lund.

Un viaggio singolo costa 20 corone, e di solito turisti e visitatori di solito utilizzano il “ramsa”, ovvero il biglietto semplice o l’abbonamento a giornata. Costa 600 corone l’abbonamento mensile, conveniente se si soggiorna a Stoccolma per diversi giorni.

Una curiosità: è nella metro di Stoccolma che è stata distribuita la prima edizione di Metro, quella che oggi è la più famosa catena di free press del mondo.

I treni sono, neanche  a dirlo, rapidi e precisi, nella miglior tradizione scandinava: viaggiano fino alla una del mattino nei giorni lavorativi e fino alle 3.30 am nei fine settimana. Mica male, eh?

Tutta questa visione di arte, forme e colori non deve farvi dimenticare che comunque sempre di una metropolitana si tratta, per cui attenzione assoluta a fare il biglietto.. siamo in Svezia, ci sono sempre tanti  controlli all’interno della rete metropolitana, quindi viaggiare senza pagare è altamente sconsigliato!!

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Quello che vedete nella foto sopra non è l’atrio di un museo o di una galleria d’arte: strano ma vero, si tratta invece di uno scorcio della metropolitana di Stoccolma. La splendida capitale scandinava ha saputo valorizzare non poco il suo principale sistema di trasporto pubblico, con opere d’arte, graffiti e mosaici per un trionfo di colori e di fantasia che rende l’attesa del treno quantomai piacevole e mai noiosa! Sono talmente tanti gli angoli da immortalare che abbiamo diviso in due tranches il nostro viaggio nella “Stockholms tunnelbana”, come la chiamano da quelle parti!

Nel 1941  fu presa la decisione di costruire una metropolitana cittadina nella capitale della Svezia, ma non è stato facile realizzarla, per via delle rocce e dei tanti dislivelli della città. Ad ogni modo la prima parte della metropolitana fu inaugurata nel 1950 con la conversione in metro di una ferrovia sotterranea costruita nel 1933. Successivamente la linea si è sviluppata fino a raggiungere la zona sud di Stoccolma, dividendosi in tre rami. Nel 1952 è stata costruita una nuova linea che collegava il centro città con la zona periferica ovest. Cinque anni più tardi i due tratti di metropolitana si unirono presso la fermata T-Centralen (dove si trova la stazione ferroviaria). Concludiamo questo piccolo excursus storico per ricordare che i lavori per la linea rossa iniziarono nel ‘64 e  nel 1975 quelli per la linea blu. Gli ultimi lavori sono stati per la Skarpnäck station, inaugurata sedici anni fa.

A Stoccolma la metropolitana si divide in sette linee, di tre colori diversi, rosso, verde, blu, numerate da 10 a 19. Ogni colore si divide  poi in varie linee con direzioni simili. La “T-Bana” (abbreviazione di tunnelbana, la metro in svedese) consta di 100 stazioni, di cui 47 sotterranee e 53 in superficie. Ci sarebbe poi la stazione di Kymlinge, ma non sono mai stati completati i lavori di costruzione. E ‘ stata invece demolita e ricostuita sotto terra la vecchia stazione di superficie di Bagarmossen.

La rete è di proprietà della Storstockholms Lokaltrafik (la stessa che gestisce le linee degli autobus e dei tram) che nel 2005 ne ha affidato la gestione all’azienda francese Veolia Transport. Nello stesso anno si è ritenuto opportuno formare  un’apposita task force per prevenire e contrastare il fenomeno dei graffiti (una moda ormai imperante a partire dagli anni Ottanta nelle metro di tutto il mondo), lasciando invece spazio alla creatività e alla bellezza di autentiche opere d’arte esposte, installazioni, opere in rilievo e murales  perfettamente distruibuiti tra 90 delle 100 stazioni della metro.

Inutile soffermarsi sulla tipica efficienza scandinava: tutte le fermate sono ben distribuite e difficilmente si impiegano più di 3 o 5 minuti per arrivare a destinazione, partendo da qualsiasi fermata del centro di Stoccolma. Quasi quasi è un peccato che ci voglia così poco, con tutto quello che c’è da vedere!

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Ricordate la mostra “Anima dell’acqua”, che tanto successo ha avuto l’anno scorso in quel di Milano? Bene, sempre nella stessa sede del Palazzo Reale viene ospitata in questa primavera 2010 (dallo scorso 6 marzo) un’altra rassegna, stavolta tutta dedicata al fuoco: si tratta della seconda parte di un progetto quadriennale dove viene reso omaggio in chiave artistica e culturale ai quattro elementi naturali, ovvero acqua, aria, terra e fuoco, appunto. “Fuoco. Da Eraclito a Tiziano, da Previati a Plessi” permette al visitatore di esplorare in modo inedito il fascino immortale del fuoco in tutte le infinite interpretazioni che ne ha fatto nei secoli la cultura mediterranea, dall’arte greca a quella romana, per arrivare alla Pop Art e ai giorni nostri.

Organizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano e dalla Fondazione DNArt di Milano, in coproduzione con il Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e in collaborazione con Regione Lombardia, la mostra ha tre curatori, Elena Fontanella, Cosimo Damiano Fonseca e Claudio Strinati, i quali hanno deciso di articolare il percorso espositivo in ben undici sezioni tematiche: Fuoco creatore, Fuoco nel mito, Fuoco sotterraneo, Rinascita, Fuoco utile, Fuoco della comunità, Paure ancestrali, Luce di redenzione, Luce e tenebre, Apocalissi di conoscenza, Dis-velamento.

Una vera meraviglia per gli occhi le oltre settanta le opere esposte, dipinti, sculture e moderne creazioni, firmate tra gli altri da Tiziano (“Prometeo”), Tintoretto (“La Resurrezione di Cristo”), Canova (“La Vestale”), Previati (“La danza delle ore”), Guttuso (“La Strega malinconica”) e perfino Andy Warhol (”Vesuvius”). Un viaggio per scoprire il fuoco dunque in tutte le sue sfaccettature,  che spesso risultano contraddittorie: da quella più terrena, a quella magica, da quella filosofica alla religiosa. Tra il bene e il male, nel bene e nel male, una materia creatrice e distruttrice, ma sempre e comunque elemento fondamentale per la Civiltà, non a caso spesso rappresentato come strumento indispensabile per la vita dell’uomo, capace come nessun altro di aggregare le comunità.

Tra mito e leggenda ( c’è anche un percorso didattico studiato appositamente per i ragazzi delle scuole elementari e medie), il fuoco da fine marzo è protagonista anche presso la Pinacoteca di Brera, per un interessante collegamento tra i due poli espositivi. Filo rosso è la splendida videoinstallazione dell’artista americano Bill Viola (titolo emblematico,  “Deserts”) che va ad impreziosire ulteriormente l’evento, che è aperto al pubblico fino al prossimo 6 giugno.

Gli orari? lunedì 14.30 – 19.30, martedì, mercoledì, venerdì, domenica 9.30 – 19.30, giovedì e sabato 9.30 – 22.30. Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura della mostra.

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Vent’anni fa usciva al cinema la bellissima favola gotica di Tim Burton intitolata “Edward mani di forbice”. Protagonista della pellicola in questione era un Johnny Depp malinconico eroe “freak” che era capace di trasformare delle banalissime siepi in capolavori verdi fatti di semplice foglie ma dalle forme incredibili. A dimostrazione che la realtà può superare la fantasia, ecco che abbiamo scovato  nel lontano Oriente un clone del pallido personaggio Burtoniano, o meglio  dei cespugli che fanno concorrenza a quelli di Edward e che come tali non passano di certo inosservati!

A metà tra “l’americanata” e la “cineseria”! d’altra parte è nel grande paese Asiatico che si trova questo quanto mai bizzarro giardino botanico!

Quando arte e natura vanno perfettamente in sintonia!

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Con il nostro blog ci piace scoprire usanze, tradizioni, costumi e curiosità di ogni angolo del globo terrestre. Però, avendo la fortuna di essere nati e cresciuti in una paese come l’Italia, ci sembra sempre opportuno segnalare le iniziative culturali più interessanti dello Stivale, talmente tante da rendere difficile la selezione. Ad esempio c’è quella che da un mese esatto, dallo scorso 26 marzo cioè, ospita  la storica sede del Complesso Museale di Santa Maria della Scala di Siena. “Da Jacopo della Quercia a Donatello. Le arti a Siena nel primo Rinascimento” è una mostra di eccezionale prestigio per riscoprire una delle stagioni più felici della nostra storia attraverso l’esposizione di oltre 300 capolavori del XV° secolo.

Se vi trovate a Siena in questa primavera appena sbocciata, regalatevi l’opportunità più unica che rara di ammirare il prezioso tesoro di opere esposte, tra cui una ventina di polittici ricostruiti per l’occasione, 22 restauri e 15 prestiti da collezioni private e famosi musei.

Fino al prossimo 10 luglio il visitatore potrà compiere un suggestivo viaggio alla scoperta di una delle pagine più ricche della storia di Siena e dell’Italia in generale, il primo Rinascimento. In particolare i primi decenni del Quattrocento trovano il giusto modo di essere celebrati grazie ad un intelligente percorso espositivo saggiamente diviso in tre ambienti diversi: una sezione è dedicata a Jacopo della Quercia (1371 ca. – 1438), scultore senese che fu importante esponente del Gotico “internazionale” europeo.

La altre due aree tematiche sono dedicate alla pittura senese del ‘400 e ai maestri foresteri, come Donatello e Lorenzo Ghiberti.

La mostra di fatto non si svolge solo al Complesso Museale di Santa Maria della Scala, ma passa ache per il Duomo, la Cripta, il Battistero, l’Oratorio di San Bernardino e la Pinacoteca Nazionale, per un’operazione dunque che va a coinvolgere l’intera città di Siena, una città che in quanto ad iniziative di questo tipo non finisce mai di stupirci.

Con tutte queste location si rivela particolarmente utile sapere gli orari. Al Complesso tutti i giorni compresi i festivi: 10.30-19.30; Duomo: dal lunedì al sabato: 10.30-20.00 domenica e festivi: 13.30-18.30 (le visite sono sospese durante lo svolgimento delle cerimonie religiose); Museo Diocesano, Cripta, Battistero: 9.30-20; Oratorio di San Bernardino: 13.30-19; Pinacoteca Nazionale di Siena: lunedì 8.30-13.30. Da martedì a sabato 8.15-19.15, domenica e festivi 8.30-13.15.

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E’ proprio vero che l’arte si può esprimere nei modi più disparati..  prendete il giovane artista tedesco Simon Schubert. Nessuna parentela con il celeberrimo compositore austraco, ma certo anche  a lui il talento non manca: ci ha messo due anni a perfezionare una tecnica di creazione di immagini, “semplicemente” facendo centinaia di piccole pieghe nei fogli di carta. Ma non si tratta dei nipponici origami. Sembrano a prima vista disegni fatti a matita, invece l’effetto tridimensionale e di profondità è dato dal gioco perfetto di luci e ombre che risulta dall’infinità di pieghe fatte sul foglio!

Schubert, 33 anni, ammette che i suoi primi tentativi non sono stati propriamente di  successo, ma la sua perseveranza con il mezzo ha dato alla fine i suoi frutti. Con i risultati che potete vedere…

Corridoi, scale e pavimenti sono tra i soggetti che meglio si prestano ad ispirare la creatività di Simon Schubert.

Oggi le opere di Schubert sono spesso oggetto di importanti mostre (attualmente sono esposte nella  galleria Kudler Van der Grinten, nella città natale di Schubert, Colonia) e hanno un buon valore commerciale, circa 6000 dollari a pezzo. Niente male, se si considera che per realizzarne una Schubert, con la sua pazienza certosina, impiega più o meno una settimana!

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Non c’è niente da fare: quando si tratta di allestire grandi retrospettive, Milano è una città il cui nome ricorre sempre, è garantito. Proprio la città lombarda ospita per l’appunto una imperdibile iniziativa,  volta a ridare lustro al mai comunque appannato mito della diva per antonomasia, Greta Garbo. “Il mistero dello stile” è il titolo della mostra ideata e curata dal Museo Ferragamo dedicata alla celebre attrice svedese a esattamente vent’anni dalla sua scomparsa. Alla Triennale dal 28 febbraio, tra costumi di scena  e abiti e oggetti personali, un nostalgico viaggio nel mito non solo di una delle icone del Ventesimo Secolo, ma  anche in una Hollywood che ancora sapeva essere fabbrica di sogni.

L’enigmatico fascino delle Garbo, interprete di tanti film di successo sia nella natia Svezia che in America nei primi decenni del Novecento, si ritrova sia nei bellissimi vestiti “minimal” che provengono da musei e collezioni private, sia negli scatti fotografici che ne esaltano l’inarrivabile stile.

Una mostra dove per la prima volta è messa in luce anche la sfera privata della privata della Garbo, grazie all’esposizione di tanto materiale inedito che rivela un personaggio per tutta la vita avvolto dal mistero ma inaspettatamente moderno e d’avanguardia.

“Il Mistero dello Stile” è alla Triennale di Milano dal 28 febbraio al 4 aprile, osservando i seguenti orari: dal martedì alla domenica 10-30-20.30 (giovedì e venerdì  fino alle 23.00). Chiuso il lunedì.

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